【AWFF 海浪电影周】幕后故事：电影摄影师君谦谈 Lomography 艺术镜头
在 2025 海浪电影周 期间，我们邀请官方影像氛围片的拍摄团队使用 Lomography 的多款艺术镜头进行创作，其中包括我们最新发布的 Joseph Petzval 匹兹伐系列镜头。这一次，我们特别采访了负责统筹与拍摄的君谦，并惊喜地发现除了专业影像工作者的身份外，她还是一位资深的 Lomographer。接下来，让我们一同听听这位资深 Lomo 玩家对我们艺术镜头的独到见解与使用体验。
嗨，君谦，欢迎来到我们的在线杂志！能先跟大家简单介绍一下自己吗？这次在海浪电影周的拍摄中，你主要负责哪些工作？
我叫 谢君谦 ，是一名电影摄影师。之前是在日本学习电影，回国后主要工作和生活在北京。这次海浪电影周的影像氛围片拍摄我主要负责摄影组的整体统筹和拍摄工作。
我们来聊聊阿那亚的拍摄吧！这是你第一次接触 Lomography 的产品吗？之前有过使用手动镜头拍摄项目的经历吗？
说起来我拥有第一台 LOMO 相机应该是初三的时候。大约 2005 年前后。是一台看起来非常普通但流线造型感十足的胶片 LOMO 相机，最主要特点就是不同色片的闪光灯。
并且我还是第一批 LomoKino 的拥有者。曾经用它完成过一个小作品。这也是自己第一次，和为数不多的全流程参与一部影像作品的制作。现在回忆起来 LOMO 应该是我正式学电影之前最爱捣鼓的设备品牌。
我的过往拍摄经历都是使用手动镜头居多。伴随而来的现实就是对摄影组人员配置的要求比较高。反而这次阿那亚的拍摄因为其机动性，原先计划并非手动镜头。但是临拍前还是不愿意割舍这类镜头光学带来的特定质感，所以改用以轻便手动镜头为主，且还是单兵作战的方式进行拍摄。
这次你尝试了多支 Lomography 艺术镜头，包括 Daguerreotype Achromat 柔焦镜头、Nour Triplet 柔焦镜头，以及 Petzval 系列的旋焦镜头。第一次上手时，你的整体印象是什么？
这个项目之前也有接触过 Petzval 改的电影镜头，所以这次重点预习了两款柔焦镜头。但是实际上手给我的感受非常奇特。特别是拿到的那款 Daguerreotype Achromat 柔焦镜头是黄铜镜体，使用时仿佛置身于大学初学摄影史的课堂。手感非常复古，以及插片控制光圈和散景 bokeh 的使用方式让人耳目一新。之前的工作习惯是拍摄前期筹备时调整镜头光学，Lomography 这套插片系统给予了现场不同的选择，能配合创意灵感捕捉到一些有意思的画面组合。
柔焦镜头和旋焦镜头带来的画面质感很不一样，它们是否在叙事表达上给了你不同的灵感？
因为不是传统故事片拍摄，所以这次我不会刻意考虑镜头光学的“度”的问题。所以也比较大胆地尝试了不同的画面质感。基本上都拍了一些，决定后期再梳理。
在几支镜头里，你使用频率最高的是哪一支？为什么会更偏爱它？
Joseph Petzval 系列的 80.5mm f1.9 使用率最高。首先应用于全画幅相机它更接近于标准焦段。其次两支 Petzval 镜头（Joseph Petzval 匹兹伐 55 f/1.7 联动对焦散景调控艺术镜头 和 Petzval 匹兹伐 80.5 mm MKII f/1.9 散景调控艺术镜头 ）最大的特征就是其轻便性和易操作性。1～7 个散景级别的控制非常直观。作为一支手动镜头单兵操作的压力也并不大。
比起拍摄人物半身近景时 55mm 或者 80.5mm 的焦外散景漩涡效果，我更喜欢拿它拍摄人全身远景。那种不是很夸张甚至有点低调的复古光学瑕疵感让我很满足。同时也能更好地匹配镜头库里的其他复古镜头。
当然，如果置身于合适的环境之中，只需要调整被摄人物或者物体与摄影机的距离同时旋转效果档位就可以得到更突出画面主体的强烈画面。
能否具体分享一下使用 Joseph Petzval 55 f/1.7 和 80.5 f/1.9 的感受？拍摄过程中有没有某个让你眼前一亮的瞬间是它们带来的？
在拍摄黄建新导演时，他配合我们走到位于沙滩上的电影放映高台。这时需要有个机位是从远处拍他一个人站在高处，楼梯下还有一些普通游客和防护栏。勘景的时候我觉得这个机位带来的画面构图有点普通，再加上是烈日当空，大远景也没办法做出光影层次。当我拿着 80.5 f/1.9 架好机位调整构图时，意外发现把效果开到最大时画面锐度被控制在一个恰到好处的范围。
“天光带来的高反差被这颗镜头化解到最佳。同时将散景效果开到最高档时镜头边缘锐度急剧下降使得安排之外的路人被模糊化，甚至有点移轴镜头的味道。我觉得是 Joseph Petzval 80.5mm 才能在瞬间化解这个构图的危机。”
在使用 Joseph Petzval 匹兹伐镜头时，你会刻意尝试不同的散景调控档位吗？你觉得这种可调节的效果会对视觉语言的表达或构图带来怎样的影响？
这次并没有太多机会探索不同档位的散景控制。我一般都是 1 或者 7 在使用。可调节效果一定会对视觉语言产生影响。希望下回有机会多尝试。
如果未来的项目中再次使用，你会倾向在哪些题材或风格的拍摄里优先选择这些镜头？
如果未来使用它，我更想开拓它在单一镜头内散景变化的呈现。变光孔变焦点变散景的配合等。只要情绪合适，什么类型的影像应该都可以使用。
和你以往常用的镜头相比，Lomography 的艺术镜头在创作上为你打开了哪些新的可能性？
作为一个喜欢叠各种镜前滤镜的摄影师，我这次比较大胆地没有用任何滤镜。也没有用任何镜头前控光工具，一个人拿着机器和镜头指哪打哪非常便捷。
“Lomography 的这几颗镜头自带降低锐度功能。特别是柔焦镜头，还可以让人脸暗部和高光部过度没那么强烈。正是因为这种便捷才能捕捉到一些转瞬即逝非人工设定的瞬间。也锻炼自己对光线的本能判断，顺其自然地去构图而不是与之抗衡。某种意义上“瑕疵”也会很明显，但是当它成为某种统一风格的时候我会比较开心。”
对于还没有尝试过 Lomography 艺术镜头的摄影师、摄像师或导演，你会给他们什么建议？
Lomography 的镜头可控制的细节远远多于我平时接触过的一些主流镜头。有时间的话可以多做测试。
如果请你推荐一部你参与创作的影视作品，你会推荐哪一部？为什么呢？
因为刚从第 30 届釜山国际电影节回来，所以我想推荐这次参展的影片《雨落屋瓦》（导演：周佳鹂）。这部影片对我个人成长也具有重要意义。在此之前，我参与了许多偏实验性质的作品，因此在画面背后都进行过大量思考。然而，在拍摄《雨落屋瓦》时，目标则是着重利用“视角”，让文字的力量更加生动地传达给观众。
在我看来，“视角”的概念是电影摄影叙事能够顺利展开的基础，也是最重要的一步，代表着“谁在观看？”“谁在思考？”“谁在感受？”从第一次阅读剧本开始，我就专注于顺其自然地选择适合的视角，听从本能。
导演以及各部门的小伙伴在每一个视角的选择上都能与我达成默契，给予我极大的信任，让我可以毫无顾虑地进行共同创作。
最后，可以和我们分享一下你最近正在进行或筹备的有趣项目吗？
最近的个人兴趣点是研究摄影机与物体本体视角的质感。感兴趣的项目是从摄影与梅洛庞蒂的身体图式概念出发去构思有“触觉”的电影。
通过君谦的分享，我们不仅感受到了她作为电影摄影师对影视创作的热情，也看到了 Lomography 艺术镜头在影片拍摄中的多重可能性。期待未来能与她以及更多创作者携手，用 Lomography 镜头去探索更多影像表达的边界。
如果你想查看更多关于海浪电影周的回顾，例如导演黄建新与摄影师杜可风采访视频 ，和 完整版活动回顾 欢迎点击链接了解更多！
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